Di tutti i generi italiani, il comico è sempre stato il grande polmone economico e popolare del nostro cinema, dai tempi di Totò giù fino ai cinepanettoni. Non ottenendo però che raramente un vero interesse critico. Il fatto quindi che la Mostra di Venezia dedichi al cinema comico italiano una retrospettiva, va letto anche come un omaggio a un genere troppo spesso rimasto nell’ombra.

Alcuni dei più popolari comici italiani, saranno alla Mostra per ricordare film e comici del passato, ai quali possono essere accostati nel gioco delle discendenze e delle affinità, che caratterizza la storia della comicità nel nostro cinema.

di Claudio Salvati

Eppure questo cinema contemplativo ed esegetico è tanto bello e sinuoso da un punto di vista formale quanto esangue e a tratti indisponente: forte dell’incontestabile perfezione delle immagini del regista, Norwegian wood  è invece cinematograficamente inutile e vale per quello che è, ovvero l’opera di un abile illustratore. Accusato a suo tempo di fare più un cinema che piacesse ai festival che al pubblico, Tran Aan Hung presenta a Venezia l’ennesima storia di crisi esistenziale tra Watanabe, giovane studente universitario e le belle Naoko e Midori (Kiko Mizuara, almeno lei davvero brava). Ma mentre la prima è introversa ed incapace di staccarsi dal ricordo del suicidio dell’amico Kizuki, l’altra è invece gioviale, sicura di sé e molto decisa. Alla fine anche Naoko si suiciderà, lasciando Midori libera davvero di rendere felice Watanabe. Cinema stancante ed educato, con la sua lunghezza improponibile (due ore e dieci minuti), e la fotografia ineccepibile, Norwegian wood è doppiamente furbo, perché attinge dalla miseria per giustificare l’infelicità dei suoi protagonisti, frigidi e perennemente stereotipati, inciampa nella voce fuoricampo ora di Watanabe, ora di Naoko e di Midori e gli conferisce quell’aurea tipica dell’operina culturale che pretende di scoprire leggi universali ad ogni sbadiglio che produce, ha il passo lento delle sue pudiche scene di sesso maldestro e non regala sussulti cinematografici se non per la rarefatta bellezza dei suoi fotogrammi. Quando Watanabe telefona a Midori per comunicarle di voler costruire una vita con lei glielo dice come se le stesse raccontando che l’acqua è fredda, ma non è l’unica scena fastidiosa: la preparazione del suicidio di Kizuki non ha un senso narrativo ed è addirittura ilare quando la sorella di Naoko chiede a Watanabe di fare l’amore con lei, dopo la morte della ragazza. Tran Aan Hung parla di felicità e di tempo che fugge, ma il suo è un cinema triste la cui visione non pagherà mai delle due ore (abbondanti) buttate via.

NORWEGIAN WOOD, di Tran Aan Hung, con Kenichi Matsuyama, Rinko Kikuchi, Kiko Mizuhara, Kengo Hora, Reika Kirishima.

di Claudio Salvati

SOMEWHERE, di Sofia Coppola, con Stephen Dorff, Elle Fanning.

di Claudio Salvati

Per questo sbaglia chi pretende di trovare in Miral una dettagliata sinossi della nascita dello Stato di Israele o dell’OLP, e strumentali paiono alcune critiche al film, mirate più a Rula Jebreal, autrice del romanzo all’origine del film, e compagna del regista. Evidentemente in Italia non paga neanche essere una “gnocca senza cervello”, come le dissero a tradimento, mentre era ospite di Michele Santoro in tv. A tratti storia biografica, ma molto più romanzo di formazione, Miral è un fiore rosso che cresce sui cigli delle strade della Palestina, ed è anche il nome di una ragazza di Gerusalemme, che vive la sua adolescenza divisa tra il colleggio di  Hind Husseini, che crede nella cultura e nell’educazione come unica via per la pace, e l’amore per l’attivista politico Hani, attraverso un percorso di vita che abbraccia di destini di quattro donne diverse, ognuna con un sogno ed un destino. Interpretata dalla bellissima Freida Pinto di The Millionaire, il film si prende il giusto tempo per raccontare con commozione l’onore di un popolo, e indugiare nelle meravigliose asperità di un territorio deserto eppure pullulante di vita. Un film che è una dichiarazione d’amore di un uomo (il regista) per la sua compagna (Rula Jabreal), e che emana un profumo esotico e curioso, come un piccolo fiore rosso.

MIRAL, di Julian Schnabel, con Haim Abbass, Freida Pinto, Yasmine Al Massri, Alexander Siddig, Willem Dafoe, Vanessa Redgrave.

La nuova fatica registica dell’autrice di Lost in translation è al centro di un gossip sentimentale, poiché il film è in concorso e verrà giudicato dall’ex compagno di Sofia, ovvero Quentin Tarantino in persona: lui giura imparzialità ma questo Festival sembra fatto apposta per lui. Dopo il pupillo Robert Rodriguez e prima del maestro e suo idolo Takashi Miike, ecco quindi l’autrice più inquieta del panorama cinematografico mondiale. Con buona pace di Ascanio Celestini ed il suo La pecora nera, storia di pazzi e manicomi che piace a molti ma convince pochi, come se fosse l’ennesimo rigurgito dell’intellighenzia di sinistra (nonché un film per nulla inedito, visto che è tratto da una sua opera teatrale che ha già girato l’Italia), e ad Antonio Capuano (regista del confuso e inconcludente L’amore buio), che pretendeva una vetrina più prestigiosa per il suo film piuttosto che le “Giornate degli autori”. Nel frattempo un nubifragio ha allagato il casinò al piano terra e in sala stampa.

C. S.

di Claudio Salvati

E per quanto il film si nutra del carisma di attori e facce da film uno più bravo dell’altro, è impossibile non dare ragione a Rodriguez che ammette di aver immaginato Machete solo dopo aver ha conosciuto il suo attore. Pompando uno dei finti trailer del progetto Grindhouse, ideato assieme all’amico Tarantino, Machete racconta della vendetta di un ex federale, coinvolto in un tentativo di omicidio di un senatore texano candidato alla riconferma con un programma anti-immigrazione, e la relativa adesione del protagonista al movimento rivoluzionario che protegge i messicani. Eppure è inutile narrare una trama che può apparire saggia o sregolata, perché Robert Rodriguez dimostra di essere ben più anarchico di Quentin Tarantino, girando il suo personalissimo omaggio a Kill Bill. Tarantino si prende due film per dare un senso alla vendetta della sposa Uma Thurman, eppure la grossolanità della trama di Machete è purissimo cioccolato fondente, perché riscopre il gusto di un cinema fracassone da divorare con avidità tanto è buono e bello. Colorato e pulp, Machete ha il fascino irresistibile ed un po’ naif di certi filmacci di serie B, quelli del sangue e delle budella srotolate come carta igienica, eppure si prende il sacrosanto diritto di riderci sopra per costruirci l’iperbolico pretesto di un meta cinema diviso tra politica e fumetto; in fondo dove lo trovi un invito alla rivoluzione che inanella sketch di ragazze nude che nascondono il cellulare nella vagina, omaggi al porno soft domestico (la Lohan che fa il verso a se stessa è insuperabile), e un prete pistolero che afferma che la pietà è solo roba per Dio, mentre sta per riempirti le cervella di piombo? Eppoi, dopo la Rosario Dawson assassina e borchiata di Sin City e la Rose McGowan monca e mitragliata di Planet Terror, cosa vogliamo dire ad un Robert Rodriguez che ci regala pure Jessica Alba che uccide un criminale mascherato brandendo un scarpa col tacco e Michelle Rodriguez guercia e tosta? Buona visione!

MACHETE, di Robert Rodriguez, Ethan Maniquis, con Denny Trejo, Jessica Alba, Michelle Rodriguez, Robert De Niro, Steven Seagal, Jeff Fahey

Pur ammettendo questa coincidenza alla casualità, Andrew Lau, regista incensato in patria  e all’estero, ha reso omaggio alla stella dell’attore, scomparso in situazioni ancora mai del tutto chiarite, con un film di grande perizia. Legend of the fist – The return of Chen Zen (Jingwu fengyum) è in fondo un melò sfavillante dalla struttura fumettistica, e solo così è possibile tollerare la debolezza dei dialoghi, che tuttavia sembra scomparire, o addolcire i suoi limiti, di fronte alla dinamicità della regia e quel senso di vertigine tipico delle carrellate dell’autore di Infernal Affairs. Tornato a Shangai dopo essersi finto morto, Chen Zen assume una falsa identità per infiltrarsi nell’impero del crimine giapponese e sgominarlo dal’interno: lo coprirà un ricco boss della capitale cinese e vivrà una fugace storia d’amore con una cantante da cabaret, che si rivelerà personaggio ben più sfaccettato. Ambientato negli anni venti cinesi, periodo di rivoluzioni sociali contro l’influenza giapponese Jingwu fengyum gode di ogni pregio tipico delle ricche produzioni orientali, ovvero l’accuratezza dei dettagli, la bellezza calligrafica che lo rende intrigante e soprattutto la lodevole adesione attoriale tipica della tradizione recitativa cinese. Probabilmente se fosse stata una produzione americana, sarebbe passato inosservato o poco apprezzato, ma il protagonista Donnie Yen non fa rimpiangere l’illustre precedente di Bruce Lee, né chi lo sostituì nel 1994, ovvero Jet Li. Totalmente filocinese, e questo è un limite per una pellicola dal respiro epico, del tutto squilibrata ai danni dei cugini giapponesi.

LEGEND OF THE FIST – JINGWU FENGYUM, di Andrew Lau, con Donnie Yen, Anthony Wong, Shu Qi – Kiki, Huang Bo

C. S.

A cominciare dalla figlia americana avuta con un’altra icona del cinema mondiale:quale è Shelly Winters. Certi miti sono belli proprio perché sovraumani; perché, dunque, farci scoprire anche le loro piccolezze? Qualcuno l’ha definito toccante, ma anche banale e indisponente rende l’idea. Lo scandalo invece non è la scena lesbica tra Natalie Portman ed il suo doppio in Black Swan, ma l’allucinante scoperta che per assistere alle proiezioni pomeridiane e serali in Sala Grande, da quest’anno è necessario prenotare il posto nonostante un accredito che costa tra i 60 e i 250 euro a seconda dell’utilizzo che se ne fa, e che deve garantire a tutti quelli che lo pagano di scegliere piuttosto che subire l’orario di un film. Così Machete, di Robert Rodriguez è stato precluso a molti, ma non a noi de L’Altra Pagina.

C. S.

di Claudio Salvati

Nonostante l’iconografia popolare ci abbia raccontato tutte le tristezze sui brutti anatroccoli o i canti di morte di questo animale, è indubbio che la madre di tutte le storie è Il lago dei cigni. Celeberrimo balletto di Tchaikovski, da una fiaba tedesca di Jophann Karl August Musäus, suggerisce l’ennesimo dubbio sul perché questo animale debba ispirare lacrime e tragedie, ma tanto è bastato a Darren Aronofsky per girare “Black Swan”. Inutile dire che il riferimento cinematografico più illustre per il regista è “Scarpette Rosse” (1948), di Powell & Pressburger, capolavoro amato in ugual misura da Coppola, Scorsese e De Palma, che racconta la storia di Vicky Page (Moira Shearer), ballerina contesa tra le scelte della vita. Non serve nemmeno citare il finale del film, vi sveleremmo qualcosa di troppo, ma laddove i registi inglesi erano romanticamente barocchi, qui Aronofsky è pirotecnico e granduignolesco, un direttore d’orchestra abile capace anche di coreografare persino l’ultima delle emozioni dei suoi ballerini: la perfezione. È questa l’ossessione di Nina, ballerina votata alla tecnica ma incapace di sudare emozione dalla sua precisione, del tutto spiazzata dal suo insegnate (Vincent Cassel, bravo come sempre) che le chiede più istinto, più passione, più sangue per ammaliare il pubblico. Spinta dalla rivalità con la collega Lily, meno rigorosa ma più appariscente, raschierà il fondo delle sue fobie per grondare quel sangue che le serve pur di sentire dentro di sé la perfezione. Thriller psicologico e decisamente claustrofobico, ambientato interamente tra le pieghe delle turbe di Natalie Portman, capace di una snervante prova attoriale, “Black Swan” chiede allo spettatore tanta tensione quanta quella che concede e mostra il lato oscuro dell’arte, capace di scuoiare vivo chi non riesce a trattenerla. Scritto e descritto come un maniacale omaggio all’inquietudine e alle necrosi del corpo, lo si potrebbe definire “cronemberghiano”, eppure ad una prima visione è impossibile immaginarlo diverso dal suo esito. Barbara Hersey interpreta la madre di Nina, nell’unico modo adatto a lei: da carnivora. Se il buongiorno si vede dal mattino, Venezia 67 sarà una competizione famelica.

BLACK SWAN, di Darren Aronofsky, con Natalie Portman, Vincent Cassel, Barbara Hersey, Mila Kunis, Winona Ryder

Invece Muller ha spiazzato tutti dando risalto a “Black Swan”, la nuova impresa di Darren Aronofsky, che dunque torna al Lido due anni dopo il personale trionfo di “The wrestler” che gli regalò il Leone d’Oro. Natalie Portman è la star più attesa della giornata, ma anche Robert Rodriguez con la proiezione di mezzanotte di “Machete”, col vendicativo Denny Trejo e Jessica Alba, e l’omaggio speciale a Vittorio Gassman, con il bel documentario “Vittorio racconta Gassman – Una vita da mattatore”. Si parlava di polemiche: troppe ce ne sarebbero ma la più divertente mi è capitata sul treno all’altezza di Padova, dove una vecchietta che, scoprendo che andavo al Festival, mi dice sicura, che eventi del genere servono per spacciare armi, cocaina ed eroina. presa con le pinze, è decisamente una storia da film. Per Venezia.

C. S.